Muy pocas cosas pueden aprovechar tantas emociones diferentes como la música; te hace reír, llorar, enojarte y más. A nivel de producción y composición de canciones, podés usar varias técnicas de arreglo para crear emoción, como seleccionar acordes y progresiones apropiados.
A nivel de mezcla, hay muchas técnicas que podés usar para evocar emociones. Nos centraremos en cuatro de esas técnicas en este artículo.
1. Preservar los sentimientos que hacen que la pista sea especial para el cliente
Cada vez que introducís cambios en la mezcla de un cliente, corrés el riesgo potencial de llevar la canción hacia una dirección con la que el cliente no está satisfecho. Una de las formas en que podés cumplir (y superar) las expectativas de tu cliente es consultar con ellos con anticipación. Descubrí exactamente qué aspectos de la canción les gustan e identificá las áreas de la canción que creen que se pueden mejorar.
Si bien la música implica escuchar, se trata fundamentalmente de sentir. Hay un período significativo en el que aprenderás a usar tus herramientas de mezcla en un nivel puramente técnico. Una vez que superes este período de aprendizaje, podés comenzar a concentrarte en cómo las decisiones de mezcla que tomás afectan las canciones en un nivel emocional; éstas son las decisiones matizadas que realmente importan.
En consecuencia, corrés el riesgo de perder la sensación que sintió tu cliente al escribir su canción si modificás tu mezcla de manera inapropiada. El producto final que creas puede ser visto subjetivamente como «bueno» por muchas personas, pero esto no cambia el hecho de que tu cliente pierde una parte de su propiedad sobre la canción. Cuando un cliente dice algo como «La canción suena muy diferente», con un poco de incertidumbre en su voz, generalmente quiere decir que has perdido el sentimiento original de la canción que la hizo especial para ellos.
Identificá lo que a tu cliente le encanta de su canción, específicamente a nivel emocional. Cualquier cambio que realices en la pista debe basarse en sus objetivos emocionales. Una mezcla «limpia» ocupa el segundo lugar después de las emociones que evoca la canción. Es tu trabajo como ingeniero de mezcla mostrar el contenido emocional de una canción mediante el uso de tus herramientas de mezcla.
2. Una sensación de espacio es tu herramienta de mezcla más impactante
Cada decisión de mezcla que tomás afecta la sensación de la música en la que estás trabajando, pero algunas herramientas creativas tienen más efecto que otras. Los efectos como la reverberación y el delay te permiten modificar el espacio en el que se percibe que viven los elementos de la canción, lo que tiene un profundo impacto en el ambiente general de tu música.
Antes de aplicar reverberación a un sonido, primero imagino el espacio que voy a modelar, además de cómo se ve y suena. Tal vez quiero que las guitarras en mi pista de reggae suenen como si estuvieran en un club pequeño e íntimo, o tal vez quiero que las voces de fondo en mi pista de rock suenen como si estuvieran en una catedral. La reverberación de la guitarra proporcionará una sensación cálida y reconfortante, mientras que la reverberación de la voz de fondo producirá una sensación fresca y aireada.
El plugin IR1 Convolution Reverb te permite modelar el campo reverberante de diferentes espacios del mundo real. Aplicá el IR1 a una de tus pistas y luego recorré los ajustes preestablecidos disponibles; seleccioná el que más se acerque al sonido del espacio que estás tratando de recrear.
Estoy seguro de que has olido algo antes, como la cocina de alguien o el aroma de cierto perfume, e instantáneamente regresaste a un recuerdo o sentimiento de tu pasado. De la misma manera, el sonido de un espacio está ligado a los sentimientos que asociás con el espacio; esto puede contribuir a las preferencias musicales de las personas y por qué a algunas personas les gustan ciertas canciones mientras que a otras no.
El delay tiende a sonar un poco menos natural que la mayoría de las reverberaciones, pero aún tiene su lugar para evocar emociones. El delay clásico de 1/8 de nota o de 1/4 de nota que escuchás en muchas voces principales de pop y hip-hop no es algo que ocurra naturalmente, pero la forma en que procesás este tipo de retraso puede darle una ventaja orgánica.
Experimentá aplicando filtros de paso alto y paso bajo a tu señal retardada. Cortar los bajos y dejar pasar los altos puede provocar sentimientos brillantes y alegres, mientras que dejar pasar más del extremo inferior puede provocar emociones oscuras y siniestras.
Aplicá un retraso como el H-Delay Hybrid Delay a tu pista de voz principal y seleccioná uno de los cuatro modos analógicos disponibles para darle un toque adicional. Establecé el tiempo de retardo en un valor de 1/4 de nota o de 1/8 de nota, modificá las perillas HiPass y LoPass para lograr un tono oscuro o brillante, y luego configurá la cantidad de feedback a tu gusto.
A través de salas de modelado con reverberación y afectando tus delays con filtros, podrás aprovechar las emociones de tus oyentes. Establecé un sentimiento como tu objetivo y usá las herramientas que tenés para lograrlo.
3. Aplicar procesamiento en serie-paralelo en pistas auxiliares
Las pistas auxiliares te permiten hacer mucho más que simplemente usar una reverberación común o un delay para múltiples elementos de pista; te permiten crear cadenas de procesamiento que hacen uso de múltiples dispositivos, lo que da como resultado efectos paralelos únicos que se pueden usar para atraer ciertas emociones de tus oyentes.
Comprimir fuertemente la reverberación en una pista auxiliar y aplicarle una compuerta (gate) te permite crear sintetizadores principales empapados de reverberación que aún se sienten agresivos, directos y presentes. Una cantidad excesiva de reverberación tiende a empujar los sonidos al final de la mezcla, pero ése no es el caso aquí. Si deseás proporcionar elementos en tu canción con una sensación de grandeza abrumadora, utilizá la siguiente técnica de procesamiento.
Aplicá una reverberación como Abbey Road Reverb Plates a tu sintetizador principal usando una pista auxiliar; esta reverberación en particular tiene un tono brillante y aireado, que complementa muchos ritmos de EDM. Aplicá una fuerte compresión de picos a la reverberación usando un compresor como el API 2500 en modo feed-forward. El procesamiento feed-forward atractivo dará como resultado una forma de compresión muy receptiva.
Un compresor de acción rápida te permitirá lograr la sensación sintética y la estética perfecta codiciada en géneros como el pop. Cuando eliminás la dinámica de un sonido, generalmente se pierde la sensación y el impacto «en bruto» que acompañan a la grabación, que puede o no ser lo que estás buscando.
Utilizá un tiempo de ataque rápido de alrededor de 0,1, un ratio de alrededor de 4 y un tiempo de release rápido de alrededor de 0,1-0,2 cuando apliqués API 2500 después de tu reverberación. Querés que el compresor aplique una compresión fuerte rápidamente y luego desacelere tan pronto como la reverberación caiga por debajo del nivel de umbral establecido.
En algunos casos, como cuando se producen pistas de cantantes o compositores, querrás utilizar un compresor de acción lenta. Esto permitirá que el material transitorio, como la articulación vocal fina, pase a través del compresor y haga que la interpretación se sienta más íntima. Aumentá el tiempo de ataque en tu compresor para dejar pasar más transitorios, o cambialo al modo de feedback si la configuración está disponible.
Para completar un efecto de reverberación supremo, agregá un gate inmediatamente después del API 2500. Podés usar el gate que viene con el C1 Compressor; es fácil de usar y funciona muy bien. Lo bueno de aplicar una compuerta a esta pista auxiliar es que podés usar la pista principal original como entrada de cadena lateral del gate para crear una reverberación que mantiene una envolvente de amplitud similar al sonido original.
Configurá la pista original como fuente de entrada de la cadena lateral del C1. Ajustá el valor de Gate Open para que quede justo por debajo del nivel sostenido de tu sonido de sintetizador principal y luego modificá el tiempo de release de la compuerta para afectar cómo decae la reverberación. Idealmente, querés que la reverberación decaiga junto con la forma de onda de la pista principal, haciendo que el sonido al que afecta se sienta con cuerpo, exuberante y poderoso.
Esta es una de las formas más avanzadas en que podés usar el procesamiento en serie para reforzar los sonidos en tu mezcla y hacer que se sientan abrumadoramente grandes. Experimentá con el uso de diferentes tipos de efectos creativos en tus pistas auxiliares para crear tus propias cadenas de procesamiento paralelo únicas. Recomiendo probar diferentes combinaciones de saturadores, reverbs, delays, compresores, gates e incluso vocoders como OVox.
4. Utilizar coloridos efectos de modelado analógico
En la búsqueda de la claridad, muchos ingenieros de mezcla terminan alejándose de las herramientas de procesamiento coloridas. El procesamiento digital puede proporcionarte la forma de procesamiento más transparente, pero esto no siempre es necesario. Los efectos de modelado analógico que proporcionan tonos inesperados pueden brindarte resultados excepcionalmente musicales y emocionalmente punzantes.
La unidad de distorsión y EQ Scheps 73 proporciona un sonido característico de los años ’60 y ’70 que es cálido, gordo y rico; esto se ha logrado mediante el uso de la tecnología de modelado de componentes de Waves. Para voces inusualmente frías y sin vida, Scheps 73 hace maravillas.
Subir la perilla del preamplificador de Scheps 73 introducirá sutiles efectos de distorsión armónica adecuados para voces, y activar el botón Drive te permitirá aplicar efectos de distorsión sustanciales a fuentes como el bajo y la guitarra. Esta distorsión puede hacer que los sonidos se sientan más pesados y arraigados a nivel emocional. Para la música de bajo, la distorsión puede influir drásticamente en la severidad de la «cara de bajo» de un oyente. Los graves que se sienten sucios, arenosos y guturales suelen ser el resultado de una fuerte distorsión. Para un sonido aún más agresivo, podés probar la distorsión Berzerk.
En el mundo real, los sonidos que están más alejados del oyente tienden a perder su energía transitoria; podés emular eso aplicando compresión transitoria. Los sonidos más cercanos a un oyente son mucho más transitorios y más fuertes que los sonidos que están más lejos.
Para arreglos íntimos de jazz, abstenete de comprimir demasiado la batería, pero para arreglos orquestales supremos, considerá aplicar una compresión pico moderada para empujar la batería al final de la mezcla.
Una excelente manera de mantener la percusión con fuerza y rapidez es mediante el uso de un compresor de estilo SSL, como el que se encuentra tanto en el SSL 4000 E-Channel como en el G-Channel. Los ingenieros de mezcla tienden a buscar un compresor de estilo SSL cuando procesan baterías o voces que quieren articular. Los compresores digitales a menudo aplican la compresión de una manera que suena lineal y calculada, mientras que los compresores de modelos analógicos pueden introducir peculiaridades como distorsión armónica y tiempos de liberación variables según el nivel de entrada.
Aplicá SSL E-Channel o G Channel a una de tus pistas de batería, como tu caja. Seleccioná si deseás afectar el preecualizador de la señal (predeterminado) o el postecualizador (CH OUT), y luego ajustá la configuración de compresión.
Para domar los transitorios de tu batería, usá un tiempo de ataque rápido (F.ATK = 1 ms) y un tiempo de release rápido de alrededor de 0,1 a 0,2. Si deseás dejar pasar más transitorios de batería a través del compresor, utilizá un tiempo de ataque lento que dependa del programa (F.ATK desactivado). Usá una proporción moderada de alrededor de 2:1 a 4:1 y reducí el nivel de umbral hasta que hayas logrado una cantidad deseable de reducción de ganancia.
Una canción que carece de variación puede sentirse sosa y aburrida, y las herramientas de procesamiento que carecen de variación en la forma en que aplican el procesamiento pueden sentirse igual. Cada plugin de modelado analógico tiene su propia firma sónica y se puede usar de diferentes maneras para crear y mejorar una variedad de emociones.
Por ejemplo, un filtro de paso alto aplicado a las voces de fondo de una pista de Lil Peep puede ayudar a que la canción se sienta triste e identificable, mientras que el mismo filtro de paso alto aplicado a las voces de fondo de una canción de Ariana Grande puede mejorar la sensación de actitud descarada de la pista. De esta manera, la sensación que generan tus herramientas de procesamiento depende de la situación y del contenido.
Conclusión
La emoción es lo que alimenta la música, y hay muchas decisiones de mezcla que podés hacer para influir en los sentimientos que una canción invoca en sus oyentes. Consultá con tus clientes antes de mezclar sus pistas para identificar y aferrarte a los sentimientos que hicieron que la canción fuera especial para ellos. Si una canción requiere una dirección emocional más enfocada, considerá usar efectos espaciales, procesamiento en serie-paralelo y coloridos efectos de modelado analógico.
*Texto de Charles Hoffman, Black Ghost Audio, publicado en el blog de Waves Audio.
