¿Por dónde empiezas tus mezclas? ¿Low-end, voces o tal vez los faders? Presentamos un enfoque de 5 pasos para darle a tu canción una base adecuada, para que puedas mezclar sin problemas hasta completarla.
Por Josh Bonanno. Fuente: Waves.
Comenzar algo puede ser abrumador y, a menudo, puede ser la parte más aterradora del proceso. Esto puede ser especialmente cierto cuando se trata de mezclar una canción, específicamente aquellas con un gran número de pistas o sesiones que son nuevas y desconocidas para ti. Es importante tener un plan claro y definido sobre cómo atacar una nueva combinación, de modo que cuando surjan estas situaciones, ya no sean abrumadoras y el camino a seguir sea claro. Si bien el flujo de trabajo de todos puede parecer diferente y no existen reglas estrictas para comenzar una nueva mezcla, éste es mi orden típico de operaciones de 5 pasos cuando me acerco a una nueva pista, que con suerte puede brindarte una buena base.
1. Empieza por donde la dejaron
Si te contrataron para mezclar una canción para un cliente, ya sea un artista o un productor, lo más probable es que tengan una versión más o menos mezclada de la canción que han estado escuchando durante el proceso de grabación y la aprobaron antes de enviarla a mezclar. Escuchar esta mezcla preliminar es una excelente manera de prepararse mentalmente para mezclar y adentrarse en la mente de quienes trabajaron en el proyecto antes que ti.
Antes incluso de tocar un fader o abrir un plugin, escucha la mezcla preliminar una o dos veces. Toma notas mientras escuchas.
– ¿Qué te gusta de la canción sónicamente?
– ¿Qué puedes mejorar?
– ¿De dónde viene la energía?
– ¿De dónde viene la emoción?
Escribir estas cosas te dará una hoja de ruta básica de lo que debe hacerse en la mezcla y evitará que hagas un trabajo de mezcla innecesario.
Si estás mezclando una canción que diseñaste o produjiste para un cliente, o una de tus propias producciones, éste sigue siendo un paso crucial que te ahorrará mucha frustración más adelante en tu mezcla. Deja tu canción una vez que hayas terminado con la producción y llévala a un nuevo entorno de escucha para tomar notas. Ya sea tu auto, auriculares o el estudio de un amigo, un nuevo espacio físico te permitirá escuchar tu canción con una nueva perspectiva y escribir tu hoja de ruta de mezcla con más claridad.
2. Faders primero
Una vez que tengas esta lista de verificación y la hoja de ruta sobre hacia dónde llevar tu mezcla, creo que el siguiente paso lógico es obtener un equilibrio usando nada más que los faders y las perillas de pan. Ésta es una etapa que a menudo se pasa por alto, ya que es muy tentador comenzar a abrir plugins y girar perillas para manipular sonidos. Pero la verdad es que el volumen y la ubicación del estéreo son dos de las herramientas de mezcla más poderosas. Usando nada más que volumen, es posible crear profundidad y separación que te ahorrarán docenas de plugins y mucha frustración más adelante en tu mezcla.
Este paso también te permite familiarizarte con las pistas y escuchar lo que cada instrumento está contribuyendo al arreglo general de la canción. Ésta es la única vez en el proceso de mezcla en la que no tengo miedo de usar el botón de solo para escuchar pistas individuales. Si lo haces, familiarizarás tu oído con las piezas y te permitirá detectar problemas que podrían necesitar una solución más adelante.
También es importante tener en cuenta que no debes tener miedo de bajar todos los faders a cero y comenzar de nuevo. Puede tomar dos o tres intentos hasta encontrar un equilibrio donde todo se sienta bien, pero establecer un equilibrio con niveles y perillas de pan brindará una base sólida a tu mezcla que facilitará el resto de tu trabajo.
3. Movimientos generales
El siguiente lugar al que recurro es mi mixbus y todos los demás sub-busses. Si bien la cadena de bus de mezcla preferida de todos se ve diferente, es común que el mixbus incluya una emulación de máquina de cinta como J37 Tape o Kramer Master Tape junto con alguna otra forma de suma de consola analógica como NLS Non-Linear Summer. Estos plugins están diseñados para dar color a tu sonido y tienen la capacidad de crear cohesión en el arreglo mediante la distorsión armónica. Recomiendo acceder a estos plugins antes de procesar canales individuales, porque el procesamiento de tu bus afecta todo y puede cambiar drásticamente el ambiente general y la dirección de una mezcla. Involucrar estos plugins coloridos en las etapas iniciales de la mezcla también te trae inspiración para trabajar y te ahorra tiempo, ya que pulen tu mezcla y te hacen sentir más cerca de una «grabación» terminada.
También me gusta poner algún tipo de ecualización en mi mixbus general. Un plugin como el PuigTec EQP-1A es excelente para aumentar el brillo de los agudos en una mezcla o el peso de los graves, lo que hará que las cosas suenen más cerca de una «mezcla» de manera oportuna. Una vez más, hacer que este movimiento de ecualización de trazo amplio atraviese toda la mezcla te evitará tener que realizar múltiples movimientos de ecualización en canales individuales.
4. ¿Qué es vender la canción?
Con todos nuestros movimientos generales realizados, la mezcla debe tener una base y una dirección firmes. Ahora es el momento de sumergirte en los elementos individuales y ajustarlos para que se adapten a la visión general de la mezcla. Por lo general, me gusta comenzar con cualquier elemento que sienta que debe ser la «estrella» de la canción. La mayoría de las veces, ésa es la voz principal, pero también es posible que sea algo más, como el ritmo de la batería o la línea de bajo. Vuelve a consultar las notas originales que hiciste mientras escuchabas la mezcla preliminar para recordar cuál fue tu reacción inicial a la canción y cuáles fueron sus elementos más importantes.
Al comenzar con los elementos más importantes de la mezcla, te aseguras de crear una base firme en la que, a medida que avanza la mezcla, todo lo demás eventualmente pueda encajar. Cada decisión de procesamiento también afecta a la posterior, por lo que deseas que los elementos importantes lideren el cargo. Si tienes una voz fuerte que tiene el tono deseado o un gran sonido de batería marcado, el resto de la mezcla tendrá una dirección mucho más clara hacia dónde avanzar.
Algunas preguntas que me gusta hacerme cuando hago de algo el punto focal de una mezcla son: «¿Qué me gusta de este elemento?» y “¿Qué no me gusta de este elemento?” Una vez que respondo esas dos preguntas, sé lo que se debe hacer para que realmente brille. Si es una voz, puede ser que me guste la emoción y el tono, pero no me gusta la dinámica que hay entre las secciones silenciosas y ruidosas. Ahora sé que puedo comprimirla para suavizar la dinámica y hacer que realmente brille en la mezcla.
5. Todo lo demás
Una vez que tu mezcla tiene su estrella y su punto de venta, el siguiente paso es dejar que todo lo demás encaje en su lugar y apoye la canción. Si todos los pasos anteriores se realizaron correctamente, creo que esta parte de la mezcla no lleva tanto tiempo como podrías pensar. Debido a que ya trataste el punto focal de la mezcla, la tarea ahora es preguntarte si los elementos restantes están apoyando la parte principal o distrayéndote de ella. Responder a esta pregunta, al acercarte a cada pista, te informará de los próximos movimientos a realizar.
El orden exacto de los instrumentos que irán a continuación se puede dejar en gran medida a la preferencia de cada uno.
A veces puede ser útil comenzar con los elementos que más distraen y trabajar hacia atrás. Muchas veces, encuentro que esto es el bajo u otros elementos de gama baja, ya que tienen mucho poder y pueden enmascarar las partes vocales o melódicas principales. Pondré en soloesos instrumentos problemáticos junto con los elementos clave de la canción y me centraré en la relación entre los dos, ajustando cómo se sientan juntos, ecualizando frecuencias competidoras o controlando dinámicas que distraen. Una vez que las cosas interactúan bien, vuelvo a introducir los otros instrumentos y termino la mezcla.
Otras veces, trabajar en elementos que resalten el núcleo de la canción y se sientan casi tan importantes como los elementos principales puede ser un buen enfoque. Al mezclar estos elementos «divertidos», como pistas de percusión o voces de fondo, para que sean brillantes, vibrantes y apoyen tu voz principal o el ritmo principal de la batería, rápidamente harás que tu mezcla se sienta emocionante, lo que te mantendrá inspirado para continuar.
La pregunta más importante que debes hacerte continuamente a medida que avanzas en la mezcla es: «¿Lo que estoy haciendo aumenta el impacto de la canción o lo quita?»
La clave para navegar con éxito a través de tus mezclas es tener un orden y un flujo de trabajo lógicos. Es posible que prefieras hacer las cosas de una manera diferente a la que sugerí aquí, y eso está bien. La parte importante es tener un plan y hacer constantemente movimientos que se apoyen entre sí en una sucesión natural para evitar trabajo superfluo.
¡Contános en los comentarios cómo empezás tus mezclas!
